RUOTE DI BICICLETTA E BUOI SQUARTATI di Valter Binaghi

Con la serie dei suoi “ready-made”, tra cui la celeberrima ruota di bicicletta (1913), Duchamp è riuscito a dire tre cose, che restano patrimonio inalienabile dell’arte e soprattutto delle speculazioni sull’arte contemporanea.
1) Si può prendere un oggetto ignobile, frammento di ambiente domestico come uno scolabottiglie, una ruota di bicicletta o un cesso, e dargli la dignità dell’arte collocandolo su un trespolo ed esponendolo in una Galleria
2) Da questo si desume che non esistono oggetti artistici o meno: arte è ciò che sta sul trespolo di una Galleria, arte è ciò che sta in una cornice
3) Il contesto ideologico dell’arte occidentale è interamente risolto nell’ambito della “rappresentazione”. Dai bisonti di Lascaux alle ballerine di Degas, il problema appare sempre la scelta di ciò che merita mettere in cornice, elevando a dignità via via il vitale, il nobile, il mistico, il popolare, il pesante, l’etereo. Denunciando ed esibendo questo limite, il ready-made di Duchamp intende chiudere il capitolo dell’arte “rappresentativa” e rendere possibile l’arte come “evento”.

Non voglio continuare a parlare di arte contemporanea, per arrivare a Sophie Call e Cattelan (che detesto abbastanza), perchè quello che mi interessa davvero è la letteratura. O meglio: in che modo la letteratura ha fatto propria a suo modo questa triplice consapevolezza, dal XX secolo fino ad oggi.

Schematicamente (e soprattutto provvisoriamente: vorrei che queste annotazioni diventassero prima o poi una ricerca di maggior sostanza), mi pare di poter dire quanto segue.
C’è chi Duchamp nemmeno sa dove stia di casa, e il ready-made per lui non è mai esistito. Come il pittore di paesaggi montani, che continua a vendere i suoi quadretti nelle fiere di paese (incontrano un gusto popolare, è giusto che ci siano), lo scrittore di fiction continua a incorniciare stereotipi di genere: la torbida metropoli schiumante di assassini, il drammone sentimentale della contessa o della sartina, il tesoro sepolto e l’Indiana Jones di turno.
C’è chi ha introiettato 1), e allora mette nel suo quadretto il precario da 700 euro, l’amore ai tempi della chat, la guerra di bande dei bulli di periferia, con la stessa acritica compostezza con cui gli scrittori romantici credevano di essere popolari perchè “parlavano” del popolo.
C’è chi non si è fermato a 1) ed è arrivato a 2). A questo punto, volendo sfuggire alla tirannia della cornice, ha provato a fare entrare la vita e la viva voce nello spazio della pagina letteraria, preoccupandosi molto meno dell’oggetto rappresentato e molto più della spietata autenticità della voce narrante, che della vita intende avere la brutale immediatezza, il libero flusso e le imbarazzanti pause, scarnificando al massimo la vicenda della sua letterarietà e facendola coincidere con la testimonianza esistenziale dell’autore. E’ il cosiddetto “minimalismo”, da Carver in su. Un buon esempio di questo atteggiamento mi pare l’ultimo romanzo di Mauro Covacich, “Prima di sparire”, di cui si parla giustamente parecchio perchè padroneggia questa poetica mostrando notevole maturità stilistica. Nel romanzo Covacich ha raccontato in sequenza la relazione adulterina che ha portato alla sua separazione dalla moglie. A proposito di questo tipo di esposizione, in una recente intervista lo stesso Covacich parla di “body art”. Si può dire così, ma a me pare piuttosto che siamo ancora nei pressi del “Bue squartato” di Rembrandt, ovvero dell’ossessione (per quanto criticamente avvertita) per il “desueto” e il “viscerale” come oggetto di rappresentazione.

La recente discussione con Wu Ming1 a proposito della cosiddetta “New Italian Epic” mi ha suggerito invece un’ipotesi di percorso che potrebbe assimilare 3) in letteratura.
Il superamento dell’ossessione rappresentativa potrebbe verificarsi nel momento in cui l’oggetto rappresentato (meglio se coi tratti iniziali della fiction e utilizzando gli stereotipi della letteratura di genere) si proponesse in termini non di “visibilità” ma di “risonanza”. Quell’eco di rimandi dal presente al passato al futuro del senso, che trasforma la figura incorniciata in una finestra. In questo caso però la parola chiave non è tanto “epico”, quanto “simbolico” o per chi preferisce “allegorico”. Non stiamo parlando ovviamente di allegoria “a chiave” (gli animali di Esopo), ma della possibilità del testo di aprirsi a una semiosi potenzialmente infinita, la cui dimora è perennemente l’altrove, e il cui perimetro è il luogo stesso dell’accadere: l’intervallo di risonanza tra il testo e tutti i contesti che suggerisce. Questo si verifica se il dramma del personaggio deborda dallo stereotipo eroico-sentimentale, ma nemmeno accetta di chiudersi nel dolore di un’esistenza singolare, per far convergere in sè una profondità che non è intimismo, una storicità che non è appropriazione del senso da parte di un ordine del discorso dettato dal potere.
Da continuare, of course.